EL BALLET
Introducción
Ballet se originó a finales del siglo XV, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes italianas. Estos elaborados espectáculos que desprendían pintura, poesía, música y danza, tenían lugar en grandes salas que se utilizaban tanto para banquetes como para bailes. Su contenido era normalmente alegórico-mitológico.
Los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. El Ballet cómico de la Reina, el primer ballet del que sobrevive una partitura completa, se estrenó en París en 1581. Fue creado por Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que cristalizaron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con sus presuntuosos vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia, etc.
El ballet de corte alcanzó su cumbre durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo nominativo de “Rey Sol” derivó de un papel que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italiano francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a quien se atribuye la determinación de las cinco posiciones básicas de colocación.
En 1661, Luis XIV fundó la “Academia Real de la Danza” para maestros. La danza empezaba a configurarse como una disciplina profesional.
En un primer momento solo los hombres podían participar, y los papeles femeninos los realizaban estos mismos disfrazados. Las primeras bailarinas aparecieron en 1681 en un ballet llamado “El triunfo del amor”.
La técnica de la danza en este periodo, recogida por Raoul Feuillet en su libro “Coreografía”, incluía pasos y posiciones todavía identificables. Se desarrolló una nueva forma teatral: la ópera ballet, que abarcaba el canto y la danza en una serie de danzas unidas por un tema común.
Los bailarines del siglo XVIII se veían entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas y miriñaques.
Fue Marie Anne Camargo quien acortó las faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón, para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar “Pigmalión”.
A pesar del virtuosismo de los bailarines franceses, los coreógrafos que trabajaban fuera de París consiguieron una expresión más dinámica en sus ballets. Fue John Weaver quien eliminó las palabras e intentó transmitir sentido dramático por medio de la danza y el gesto. En Viena se dio a conocer la pantomima.
En este sentido hay que destacar la figura de Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la danza y los ballets (1760) ejercieron una notable influencia. Para él, los movimientos debían fluir naturales y armónicos. Noverre encontró una oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, Alemania, donde produjo por primera vez “Medea y Jasón”.
Jean Dauberval, alumno del anterior, en su ballet “La fille mal gardée” (La muchacha mal custodiada, 1789) aplicó los principios de su maestro.
La danza en puntas empezó a desarrollarse, aunque los bailarines se ponían de punta sólo unos instantes, ya que aún no se habían inventado las zapatillas de punta dura.
El ballet "Las Sílfides", cuya primera representación tuvo lugar en París, inauguró el período del ballet romántico. María Taglioni, solista, interpretaba una criatura sobrenatural que es amada y destrozada de forma involuntaria por un mortal. Las sílfides inspiraron muchos cambios en los ballets de la época.
También debemos mencionar “Giselle” (1841), con música de Adam y coreografía de Jean Coralli.
El ballet romántico, sin embargo, no se inspiró exclusivamente en temas sobre seres de otro mundo.
Las mujeres dominaban (y aún lo siguen haciendo) en el ballet romántico.
Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en Europa y la escuela bolera (danza académica española) surgió un importante vínculo. Los temas españoles comenzaron a estar de moda en los repertorios de los ballets. El gran Marius Pepita cristalizó la esencia española dentro del ballet clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de aire y estilo españoles que son verdaderas obras maestras.
Pero en Europa el ballet empezaba a perder interés. Durante la segunda mitad del siglo XIX se produjeron pocos ballets destacables en la Ópera. Aunque sí que podemos señalar “Coppélia”, “Sylvia” y “La fuente”, con música de Leo Delibes.
Rusia, sin embargo, sí que siguió con la tradición del ballet, gracias al coreógrafo Marius Pepita. Entre sus obras están los ballets quizás más conocidos: “La bella durmiente” (1890), “El lago de los cisnes” y “Cascanueces”, las tres en colaboración con Liev Ivanov, sobre música de Piotr Ilich TChaikovski.
Pepita llegó a convertirse en un punto de referencia. Fokine hizo hincapié en la idea de la expresividad.
Los Ballets Rusos, fundados por S. Diaghilev con la colaboración del anterior, supusieron el inicio del ballet moderno. Supuso el resurgir de la figura masculina que había sido olvidada y la aparición de nombres como Vaslav Nijinski. La compañía creó un gran número de nuevas piezas, incluido un ballet de un solo acto de Fokine de temática oriental: “El pájaro de fuego” (1910), “Sheherazade” (1910) y “Petruska” (1911).
Diaghilev contrató no solo a compositores y coreógrafos sino también a artistas, pintores, poetas y compositores de Europa occidental, como Pablo Picasso y Maurice Ravel, para colaborar con los ballets. George Balanchine, y el bailarín y coreógrafo ruso francés Serge Lifar abrieron nuevos horizontes al ballet.
Aquellos artistas que habían colaborado en la compañía contribuyeron al florecimiento del ballet en Europa y América. Anna Pavlova, que bailó en las primeras épocas de los Ballets, creó su propia compañía. Fokine trabajó con el futuro American Ballet Theatre. Massine colaboró con el Ballet Ruso de Monte Carlo, compañía creada tras la muerte de Diáguilev. Dos antiguos miembros de los Ballets Rusos, Marie Rambert y Ninette de Valois, colaboraron en la difusión británica del ballet. De Valois fundó la compañía que llegaría a ser el Britain’s Royal Ballet.
Entre los años 1920 y 1930 comenzó a desarrollarse en Estados Unidos y Alemania la danza moderna. Martha Graham, Doris Humphrey y Mary Wigman, crearon nuevos estilos de movimiento con un progresivo acercamiento al realismo. Se amplió la capacidad de movimiento con un uso más libre del cuerpo.
En la década de 1930, Massine inventó el ballet sinfónico, que trataba de expresar el contenido musical de sinfonías de los compositores alemanes Ludwig Van Beethoven y Johannes Brahms. Balanchine a su vez comenzó a crear ballets abstractos. Jewels (1967) está considerado como el primer ballet de larga duración de este tipo.
Durante los años 40 se fundaron en Nueva York dos grandes compañías de ballet, el American Ballet Theatre y el New York City Ballet. A partir de la segunda mitad del siglo XX, se han creado compañías de ballet en muchas ciudades de Estados Unidos y de Canadá.
En los años 50, las compañías rusas (la del teatro Bolshói y el teatro Kírov, por ejemplo) hicieron por primera vez representaciones en Occidente. La influencia rusa sobre el ballet ha sido inmensa. Encontrándonos con los famosos casos de deserción como Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl Baryshnikov, director del American Ballet Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989.
En España hay que destacar la figura de Víctor Ullate, quien en 1979 se convierte en el director del Ballet Nacional de España. En 1987 Maia Plisiétskaia fue nombrada directora artística del Ballet Lírico Nacional. La incorporación del coreógrafo y bailarín español Nacho Duato como director artístico de la Compañía Nacional en 1990 ha supuesto un cambio innovador en la historia de la compañía, que ahora se ha alejado del ballet clásico propiamente dicho para acercarse de lleno a la Danza Contemporánea.
Finalmente hay que destacar el esfuerzo cubano en el desarrollo del ballet con su “Ballet Nacional de Cuba”, fundado y dirigido por Alicia Alonso.
El repertorio del ballet actual ofrece una gran variedad de estilos e influencias. Coexisten ballets modernos y los pertenecientes al repertorio clásico, aunque podemos decir que es la danza contemporánea la que está ganando actualmente el terreno.
Objetivos
v Promover la cultura en general, resaltando las expresiones artísticas y culturales de la danza.
v Promover la participación de las entidades públicas y privadas mediante convenios y/o acuerdos de obligatorio cumplimiento para las partes suscriptoras, con la finalidad de que se proporcione el apoyo necesario para materializar las acciones de formación y promoción que realice la academia.
v Crear expresiones artísticas y culturales relacionadas con la disciplina artística de la danza y afines.
v Promover la realización de eventos locales, nacionales e internacionales relacionados con la danza.
v Brindar la educación necesaria de distintos campos artísticos para ampliar la conciencia socio-cultural en el país.
v Convertirnos en una escuela profesional de formación dancística para elevar el nivel cultural y la sensibilidad artística en la comunidad, estimulando la formación temprana en las disciplinas artísticas de la danza y afines.
v Formar bailarines profesionales con un alto nivel técnico en el campo del ballet clásico, neoclásico, contemporáneo y moderno.
v Realizar funciones y eventos de difusión artísticas culturales en el país relacionadas con la danza y llegar, sobre todo, a sectores de bajos recursos.
v Apoyar el talento de niños y jóvenes brindándoles facilidades para su aprendizaje e incentivándolos con becas y medias becas.
v
Esquema de los temas
I. Tallas zapatillas o puntas de ballet
1. Tallas de puntas bloch
2. Tallas de puntas de ballet capezio
3. Tallas de puntas de ballet marcas: Capulet, chacott, freed, gamba, grishko, gaynor minden, repetto, russian pointe, Suffolk y teplov.
II. Anatomía y formas del pie y su importancia en el ballet clásico
1. Anatomía del pie y su relación con la bailarina
2. Arcos del pie en el ballet clásico
3. Tipos de pie en el ballet por su forma
4. El pie ideal para utilizar puntas de ballet
III. Las tallas de ancho de las zapatillas y puntas de ballet en todas las marcas.
IV. Cuidado de las puntas de ballet
V. Como se hacen las zapatillas de ballet y de que están hechas.
1. Pasos para aser las zapatillas de ballet
VI. Partes que componen las zapatillas de punta de ballet.
VII. Métodos para la danza del ballet
VIII. La técnica del ballet
IX. Ballet romántico
X. Ballet moderno
XI. Ballet acción
XII. Ballet cortesano
1. Historia
2. Características
XIII. Maestros del ballet
XIV. Que son las coreografías
XV. Tipos de coreografías
I. Tallas zapatillas o puntas de ballet
Cuando se trata de probarse unas zapatillas o puntas de ballet por primera vez o cuando vas a cambiar de marca o modelo no es tan sencillo saber tu número y hacer la conversión al calzado normal.
Cada marca de zapatillas y puntas de ballet designan diferentes tallas, incluso hay marcas de puntas que varían el número en cada modelo, como es el caso de las puntas Bloch o Capezio.
Recuerda que no sólo es importante saber tu número de talla sino probarte las puntas si es que no has usado la marca y modelo anteriormente, porque además de conocer el número correcto puede haber algunas variaciones, ya que algunas personas piden medio número más arriba de su talla normal, o bien es importante saber que por lo regular todas las marcas de zapatillas de ballet consideran el ancho del pie. Sin olvidar que cada modelo también puede estar diseñado para tipos o formas de pies específicos.
1. TALLAS DE PUNTAS DE BALLET BLOCH
Tallas México
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
USA street size
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
| |
Bloch
|
Alpha
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
Aspiration
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
| |
Axis
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
| |
Axiom
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
B Morph
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
| |
Balance
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
| |
Heritage
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
| |
Jetstream
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
| |
Serenade
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
Serene
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
Signature
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
| |
Sonata
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
Suprima
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
Synergy
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
| |
2. TALLAS DE PUNTAS DE BALLET CAPEZIO
Tallas México
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
USA street size
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
| |
Capezio
|
Aria
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
|
11.5
|
12
|
Aerial
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
Concerto
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
| |
Contempora
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
Chasse
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
| |
Glisse
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
|
11.5
| |
Infinita
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
| |
Nicolini
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
Odette
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
| |
Pavlova
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
Tendu
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
| |
Tiffany
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
| |
1. TALLAS DE PUNTAS DE BALLET MARCAS: CAPULET, CHACOTT, FREED, GAMBA, GRISHKO, GAYNOR MINDEN, REPETTO, RUSSIAN POINTE, SANSHA, SUFFOLK Y TEPLOV
Tallas México
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
USA street size
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
| |
Capulet
|
Juliet 3D
|
1
|
1*
|
2
|
2*
|
3
|
3*
|
4
|
4*
|
5
|
5*
|
6
|
6*
|
7
|
7*
|
8
|
Chacott
|
Coppelia
|
30
|
31
|
32
|
33
|
34
|
35
|
36
|
37
|
38
|
39
|
40
|
41
|
42
|
43
| |
Veronesse
|
21
|
21.5
|
22
|
22.5
|
23
|
23.5
|
24
|
24.5
|
25
|
25.5
|
26
|
26.5
|
27
|
27.5
|
28
| |
Freed of London
|
Classic
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
Studios I y II
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
| |
Gamba
|
Gamba 93 y 97
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
Gaynor Minden
|
Todos los modelos
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
9
|
9.5
|
10
|
10.5
|
11
|
11.5
|
12
|
Grishko
|
2007
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
8.5
|
Todos los modelos
|
1
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
| |
Repetto
|
Todos los modelos
|
11
|
12
|
13
|
14
|
15
|
16
|
17
|
18
|
19
|
20
|
21
|
22
|
23
|
24
|
25
|
Russian Pointe
|
Todos los modelos
|
32
|
33
|
34
|
34.5
|
35
|
36
|
37
|
37.5
|
38
|
39
|
40
|
41
|
42
|
43
|
44
|
Sansha
|
Todos los modelos
|
6
|
7
|
8
|
9
|
10
|
11
|
12
|
13
| |||||||
Suffolk
|
Todos los modelos
|
1.5
|
2
|
2.5
|
3
|
3.5
|
4
|
4.5
|
5
|
5.5
|
6
|
6.5
|
7
|
7.5
|
8
|
11
|
II. Anatomía y formas del pie y su importancia en el ballet clásico
En la práctica del ballet es importante conocer las propias ventajas o limitaciones que la bailarina o bailarín tienen, ya que de ahí se puede sacar provecho de dichas características para trabajar más en aquellas limitaciones físicas que no se poseen naturalmente, pero que sin embargo con ciertos tipos de ejercicio y trabajo es posible irlos desarrollando.
El saber la anatomía y forma de pie además de lo anterior también nos sirve para saber cual es la clasificación de nuestro pie y lo que ayudara a tomar mejores decisiones al elegir el tipo de zapatillas y de puntas de ballet que cubra mejor nuestras características y necesidades.
Son los pies de la bailarina en el uso de la punta los que hacen el trabajo de montarse y mantenerse en la punta, no son las puntas las que hacen el trabajo y no funcionan los pies como un mero instrumento de soporte, sino que hay un trabajo y un desarrollo de las partes que componen al pie que permiten perfeccionar las posiciones, posicionamientos y movimientos correctamente. Pero este desarrollo del pie no se hace únicamente con el trabajo de punta sino en todo momento en todos y cada uno de los ejercicios del ballet.
1. La anatomía del pie y su relación con la bailarina
Anatomía del pie se compone de 26 pequeños huesos que son conectados entre ellos por ligamentos. El movimiento de los huesos es posible por medio del trabajo de músculos y tendones y son algunos nervios los que le dan control y le dan sensibilidad a nuestro pie. La estructura ósea principal del pie está compuesta por tres grandes partes: Tarso, Metatarso y Falanges
Tarso: Parte posterior del pie que comprende 7 huesos llamados tarsianos
Metatarso: La parte central del pie que está compuesta por 5 metatarsos
Falanges: Cada dedo o metatarso tiene tres falanges a excepción del dedo gordo que sólo tiene dos
2. Los arcos del pie en el ballet clásico
Estos huesos del pie forman dos arcos: el arco longitudinal por la parte de dentro del pie y el arco transversal del pie.
Arcos del pie Así, es que podemos determinar si una persona tiene un arco bajo, medio o alto, aunque también se dice que una persona tiene "mucho empeine", un "empeine normal" o que "no tiene empeine"
Cuando el pie de la bailarina se encuentra en movimiento cambia constantemente de forma, por ello el escoger las puntas de ballet sobre todo debe tomarse con seriedad pues parte importante de esta decisión influira en que la bailarina logre las metas del trabajo en punta. Además del arco es importante saber en que tipo de forma de pie se puede categorizar el nuestro.
3. Los tipos de pie en el ballet por su forma
Aunque no hay pies idénticos, (ni los de una misma persona suelen ser idénticos) si existe una similitud entre ellos que hicieron posible hacer la siguiente clasificación:
Pies egipcio, griego y gisellePie Cuadrado o tipo "Giselle", el pie es cuadrado y por lo regular los dedos de los pies también son cuadrados, además todos los dedos de los pies conservan una misma o muy similar altura o longitud.
Pie griego, es aquel en el que el segundo dedo del pie es más alto o sobresale del resto de los dedos, incluyendo al dedo gordo. Puede ser afilado o cuadrado, entre más gradual sea la reducción de la longitud o altura del segundo dedo al pequeño más afilado será y entre menos distancia o graduación haya entre los dedos más cuadrado será.
Pie Egipcio, es aquel en que la graduación de los dedos de los pies se da de manera natural del dedo gordo hacia el meñique, es decir que el gordo será el que sobresalga en longitud o altura y esta disminución será gradual de dedo en dedo hasta llegar al meñique, siendo este el que tenga menor longitud o altura. También hay pies egipcios afilados o cuadrados y dependerá la gradualidad de longitud o altura entre ellos para que sea afilado o cuadrado.
formas del pie de la bailarina Esto es sumamente importante para el momento de elegir las puntas de ballet que la bailarina utilizará, puesto que casi todas las casas de las marcas de puntas de ballet toman consideración de esto y muchos de sus modelos están elaborados y dirigidos para cubrir las necesidades de estas formas de pie, y aunque algunas marcas no lo dicen específicamente, al saber las características del molde del modelo, es decir, si es angosto con caja o tope alto, o ancho en la caja y bajo en el tope, etc. se facilitará el trabajo a la hora de escoger las puntas para que sean las correctas.
Al examinar la anatomía y forma del pie es posible determinar si la bailarina debe continuar con el trabajo de punta o no, pero desafortunada o afortunadamente (según desde el punto de vista de cada quien) esta norma o costumbre se lleva a cabo únicamente en escuelas e instituciones dedicadas a la formación seria y profesional de bailarines, por lo que con seguridad en cualquier escuela de tipo comercial la mayoría de las alumnas que avanzan conforme pasan sus cursos probablemente tendrán que utilizar puntas de ballet.
2. El pie ideal para utilizar puntas de ballet
Y aunque el pie ideal para utilizar la punta es bastante raro de encontrar, es por medio del conocimiento de nuestra anatomía y forma del pie que será posible hacia donde inclinar la carga del trabajo del pie, ya sea a la flexibilidad o arco del pie, al talón, etc.
Arco bajo, medio y alto del pie Se dice que el pie ideal para utilizar puntas debe ser ancho con dos o tres dedos del mismo largo y con un tobillo fuerte. Este tipo de pie brinda un mayor soporte para la bailarina y para la distribución de su peso. Esto no quiere decir que quien tiene otro tipo de pie no pueda o deba utilizar puntas, sino que lo encontrará más difícil. Por ejemplo quien tiene los dedos del pie bastante largos o un pie angosto y afilado con un arco muy alto puede encontrar mayores dificultades en el trabajo de puntas.
Los factores que más intervienen para trabajar en puntas es la flexibilidad del talon y la cantidad de arco natural que la bailarina tenga. Cuando se tiene una flexibilidad limitada y poco arco puede haber algunos problemas para la alineación de los pies con las rodillas una vez montada en las puntas. Una estudiante con flexibilidad muy limitada puede experimentar mucho dolor y problemas con su talón de Aquíles . Y por ejemplo cuando creemos que el tener un empeine con arco muy alto nos da una ventaja, habrá que tomar en cuenta esta combinación con la flexibilidad y fuerza del tobillo, ya que si se trata de un tobillo muy delgado y sin fuerza, esto puede presentar muchas limitaciones para los pies en el trabajo de puntas.
De todas estas características y factores es posible determinar el tipo y el período de tiempo de trabajo que debe tomarle a cada estudiante para que le sea posible desarrollar la flexibilidad y fuerza necesaria para llegar al nivel del trabajo de puntas.
III. Las tallas de ancho de las zapatillas y puntas de ballet en todas las marcas.
Recuerda que las puntas de ballet también cuentan con medida especial según el ancho de tu pie. Feel Like Dancing te comparte las medidas de ancho de las marcas de puntas de ballet más conocidas y populares.
Marca
|
Súper Angosto
|
Angosto
|
Medio
|
Ancho
|
Más ancho
|
Extra Ancho
|
Bloch
|
Y
|
YY
|
YYY
| |||
X
|
XX
|
XXX
|
XXXX
|
XXXXX
| ||
A
|
B
|
C
|
D
|
E
|
Special Order
| |
Capezio
|
A
|
B
|
C
|
D
|
E
|
EE
|
M
|
W
|
WW
|
Special Order
| |||
Grishko
|
X
|
XX
|
XXX
|
XXXX
|
XXXXX
|
Special Order
|
Sansha
|
N
|
M
|
W
|
X
|
XX
|
XXX
|
Freed
|
Special Order
|
C
|
D
|
E
|
EE
|
Special Order
|
Freed of London
|
-
|
X
|
XX
|
Special Order
|
Special Order
| |
Russian Pointe
|
1
|
2
|
3
|
4
|
5
|
6
|
Prima Soft
|
X
|
XX
|
XXX
|
XXXX
|
XXXXX
| |
Capulet
|
X
|
XX
|
XXX
| |||
Suffolk
|
N
|
X
|
XX
|
XXX
|
XXXX
|
IV. Cuidado de las puntas de ballet
Si hay algo que es bien sabido por quienes usan puntas de ballet es que estas no tienen una duración tan larga como la que quisiéramos, sobre todo por lo costoso que resulta remplazarlas cada vez que están más que vencidas. Es por ello que es importante tener presentes algunos consejos o tipos sobre lo que podemos hacer para duren un poco más de lo acostumbrado.
1. Déjalas secar completamente bien. Se han hecho cálculos sobre la cantidad de sudor que una bailarina puede llegar a producir sus pies en una clase de ballet durante una hora y el resultado puede ser hasta de una mitad de un vaso para cerveza. Esto nos puede dar una idea de lo mucho que nuestros pies humedecen el material con el que están hechas las puntas y tomando en cuenta que este en su mayoría es papel, cartoncillo, tela y pegamento, es cuando entendemos porque su duración no sea más próspera.
cantidad de sudor producido en una hora de clase de balletPor ello el primer paso y más importante de todos es: Dejar secar las puntas de ballet antes de guardarlas, meterlas o acomodarlas dentro de alguna bolsa, mochila, plástico, etc. Es de vital importancia que cuando termines tu clase las coloques en algún lugar fresco y seco, extiéndeles las arrugas y déjalas secar completamente antes de volver a utilizarlas. Existen a la venta algunas bolsitas rellenas con material como algodón, cartón o papel que tienen el propósito de colocarlas dentro de las puntas y esto les puede ayudar a absorber más rápidamente la humedad.
Se sugiere que el lapso de tiempo para que las zapatillas queden completamente secas es de hasta tres días, por lo que la más mencionada y habitual recomendación que escucharás cuando tienes clases o práctica en puntas de ballet más de dos veces por semana es la de comprar varios pares, para que alternes cada par hasta que cada uno se encuentre totalmente seco. Al hacer esta práctica se puede extender la vida de un par de puntas hasta en un 50%.
2. Alterna cada punta para cada pie cada clase, práctica o ensayo .Las puntas de ballet no tienen, como el calzado común, un lado derecho y uno izquierdo, sino que invariablemente ambos pueden ser usados en cualquier pie. Algunas bailarinas los marcan y deciden designar cada zapatilla para cada pie. Esta práctica puede resultar obligatoria cuando por ejemplo una bailarina tiene muy marcadas las diferencias entre sus dos pies, tanto que con la primera puesta sus puntas quedan totalmente amoldadas al pie designado.
3. Refuérzalas. Existen varios métodos para endurecer y reforzar tus puntas. Es recomendable que si no eres un adulto lo hagas con la ayuda de uno porque el resultado podría ser desastroso. Uno de estos métodos es poner laca (que puedes encontrar en ferreterías o tlapalerías) en el alma de la punta en el justo punto donde las arqueas y también dentro de la caja en la punta.
Otro método es hacer lo mismo pero con pegamento especial para puntas de ballet (este lo puedes adquirir aquí en Feel Like Dancing). Es importante que independientemente de cualquier material que elijas, las debes dejar secar total y completamente, pues podría resultar en alguna lesión o herida para tus pies si llegarás a colocarlos cuando todavía no se encuentra seco el pegamento o la laca. Otro método más, que no es recomendable y sólo se comparte para fines informativos es el que utilizan incluso algunas compañías de ballet, ya que muchas veces estas también se encuentran muy limitadas en su presupuesto para poder gastar tantas puntas como sus bailarinas lo requieren. Esto es la aplicación de cera o polvos de cera y su aplicación también al alma, la punta, la caja y los pliegues, una vez que se aplica se colocan sobre un papel para hornear y se introducen a un horno totalmente frio (sin encontrarse pre-calentado) y se dejan hornear por tres minutos a 250 grados. Una vez que transcurren los tres minutos se apaga el horno y se dejan reposar las puntas o zapatillas de ballet ahi durante toda la noche.
Por ejemplo se sabe que el Ballet de Houston cuenta con una caja de madera caliente especialmente para utilizar este método de cera, pero el calor es producido por focos o bulbos. Las bailarinas de este ballet han notado que con este método pueden utilizar nuevamente sus puntas hasta por siete veces más y tomando en cuenta que hablamos de bailarinas profesionales, parece ser un método bastante exitoso. Alguna anécdota chistosa, acerca de este método es que alguna vez una bailarina decidió hacerlo en su horno sin tomar en cuenta que anteriormente había calentado comida que contenía ajo, por lo que al sacar sus puntas del día siguiente noto el olor absorvido por sus puntas.
V. COMO SE ASEN LAS ZAPATILLAS DE BALLET
La elaboración de las puntas de ballet a lo largo de los años ha pasado por distintos procesos para su elaboración y ha sido a base de distintos materiales. En la actualidad cada uno de estos procesos comprende distintos pasos y es a partir de la exitósa producción en masa de las zapatillas de punta que estos se disminuyeron aunque sin dejar de pasar por el toque humano; lo que las hace un artículo único e irrepetible, es decir, nunca idéntico.
1. PASOS PARA ASER LAS ZAPATILLAS DE BALLET
1. El corte, El Paso en el que se cortan los materiales sacados de patrones ya establecidos.
2. El cosido o cerradura, donde se unen mediante costura algunas partes de la punta como el talon, parte superior de la punta y donde va la caja.
4. El tirado, cuando se ajusta el molde a los patrones o modelos de pie ya hechos, tradicionalmente de madera y últimamente de plástico. Un dato curioso es que los bailarines profesionales de compañías internacionalmente reconocidas, como por ejemplo, del New York City Ballet, cuentan con un molde personalizado y que lo elabora su artesano o elaborador de puntas ya designado.
“Ojo: pues es aquí donde encontramos nuestra respuesta que desmiente la leyenda urbana de las puntas de yeso”
El material que se utiliza universalmente es tela, cartón y pegamento en muchas capas comprimidas. La característica de la dureza entre otras más como el anti-ruido, anti-vibración y acolchonamiento o padding se encuentran inmersas en la fórmula elaborada por cada fabricante. Esta fórmula es ultra secreta en cada casa fabricante, ya que es la que le dará las características más específicas a un modelo o marca.
6. El pliegue, en donde se ensamblan las capas que forman la caja de la punta
7. Las puntadas y el volteo, que es en donde se unen todas las partes hasta ahora ya elaboradas a la suela y es volteado el material que resulta en la forma de la punta.
9. Martilleo, el elaborador reinserta nuevamente la punta ya elaborada a un nuevo patrón o molde y le da los últimos toques para detallar la forma de punta, sobre todo para finalizar el amoldado de la caja y evitar las bombas o burbujas que podrían haberse formado. En este paso también se cortan los sobrantes y se asegura que las distintas partes de la punta mantengan una proporción armoniosa.
10. Por último, el secado, donde se ponen a secar las puntas en un estante durante dos a cuatro días. Algunos fabricantes utilizan un horno para secarlas más rápido.
Al final se hace una inspección y control de calidad de las puntas donde se verifica si están listas para ponerse en venta.
I. Partes que componen las zapatillas de punta de ballet.
1. Empeine o tope: Es la parte frontal de la caja de la punta y su altura puede ser baja, media o alta. Es recomendable elegir el empeine, tope o caja baja para empeines bajos y medios y un empeine o tope alto cuando el empeine es pronunciado o alto.
2. Plataforma o punta: Es la punta de las puntas, esta puede ser totalmente plana, redondeada, ancha, angosta, cuadrada o puntiaguda. Algunas puntas traen en la punta adherida o cosida una punta de ante o gamuza para hacerlas más duraderas. Algunas marcas también venden estas puntas como accesorios extras para las puntas.
3. La caja: es la parte dura de la punta, el empeine o tope y la plataforma son parte de la caja. La caja puede tener forma en “V” o en “U”. También puede tener distintos tipos de anchos así como puede tener una forma un tanto gradual preferentemente para los pies egipcios y griegos o bien puede tener una forma medio gradual o cuadrada para pies tipo "Giselle". Como vimos el empeine o tope de la caja puede ser alto, medio o bajo. La caja de la mayoría de las puntas están elaboradas de un mezcla de cartón, tela y pegamento que es la receta secreta de cada casa o fabricante de puntas, a excepción de puntas como las Gaynor Minden elaborada con materiales elastoméricos o como las puntas Capulet Juliet elaboradas con un material especial llamado D3o.
4. El alma exterior: es la suela de la punta que es visible, es en donde normalmente la mayoría de las marcas indican la talla y ancho de las zapatillas. El alma se compone de tres partes, el alma interior, el alma central y el alma exterior. El alma interior es la suela que va por dentro de las puntas y el alma central no es visible, sino que se encuentra entre el alma exterior y el alma interior.
5. Las alas o “wings”: son las partes laterales de la caja o arriba de la caja. Algunas marcas elaboran puntas con alas reforzadas o lo que se conoce como “Wings Block”, que no es otra cosa que el reforzamiento en los lados de las puntas. Esto se recomienda a bailarinas con pies anchos o con juanetes.
6. Los pliegues: son los terminados del doblez y unión de la tela o satín, lona o piel de las puntas con el alma. Cada marca y modelo puede tener un número diferente de pliegues e incluso hay modelos que los evitan como es el modelo “Rubí” de la marca Russian Pointe.
7. El alma central: es la que no es visible, sino que se encuentra dentro, entre el alma interior y el alma exterior de las puntas. Es esta alma central una de las partes más importantes de la punta que da el soporte necesario en las zapatillas para hacer posible que la bailarina se monte en la punta. El alma o suela puede venir completa o en ¾ y en algunos casos hasta en 2/3, aunque la mayoría de las marcas mantienen únicamente el alma central bajo estas características algunos como el modelo “Alpha” de la marca Bloch también mantiene los ¾ el alma exterior.
Las puntas con alma de ¾ son preferidas por bailarinas con empeines altos o muy pronunciados ya que encuentran en estas zapatillas mayor durabilidad en el vencimiento del arco de la punta; aunque algunas bailarinas con poco empeine también las prefieren porque ayuda a resaltarlo. Lo que es determinante para utilizar este tipo de alma es que la alumna o bailarina que la utiliza debe haber desarrollado la suficiente fuerza y flexibilidad en sus pies y piernas para lograr montarse y mantenerse en la punta.
II. Métodos para la danza del ballet
El Ballet o Danza Clásica es una forma de danza específica. Ya que sus movimientos se enseñan a través de métodos y técnicas “claves”. A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso esta estructuradamente armado. A veces se piensa que la danza clásica se limita exclusivamente a piernas y brazos, pero en cualquier movimiento que se ejecute, participaran: las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas; en fin todo el cuerpo. Para iniciar los estudios de la danza clásica, tomando como ejemplos a bailarines consagrados, se puede decir que la edad ideal es a partir de los siete años. Ya que es la edad en que siendo niño se va aprendiendo a reconocer el ritmo y el espacio en el cual se mueve. Pero no os rindáis, ¡Nunca es tarde!
Algunos movimientos que componen la danza Clásica son: -Alargarse -Deslizarse -Arquearse -Relajarse -Saltar -Contraerse –Mantenerse
Aunque los principales movimientos y posiciones del baile son:
-1ª posición. Los dos pies en línea recta, unidos por los talones
-2ª posición: Los pies en la misma línea recta, pero separados por unos 30 centímetros
-3ª posición: Los pies juntos unidos por su parte media uno delante del otro.
-4ª posición: Los pies separados en línea vertical hacia delante separados unos 25 centímetros
-5ª posición: los pies se unen en sentido inverso; ambos talones mirando hacia fuera, juntándose así los dedos del pie de uno con el talón del otro.
La técnica del ballet se basa principalmente en un movimiento
de rotación de las piernas y los pies hacia el exterior, iniciado desde la
cadera. De esta manera se consigue un ángulo sobre el suelo de 180°
aproximadamente. La obertura dependerá de la elasticidad del bailarín. Además
de esto, el ballet se basa en cinco posiciones de pies y de brazos. Estos
últimos normalmente se mantienen con los codos ligeramente curvados aunque esto
varía cuando se colocan en alongé, que es el alargamiento de los brazos sobre
una de estas cinco posiciones.
Estas cinco posiciones de pies y brazos se pueden utilizar en diversas posiciones del cuerpo con respecto al público. Éstas son: en face, croisé, effacé y ecarté. Dado que la lengua oficial es el francés, todos los términos de la danza se escriben en este idioma, y un ejemplo claro es éste. En face significa simplemente de frente al público. Se llama croisé cuando el público ve desde fuera las piernas del bailarín cruzadas. Effacé es una posición parecida al croisé, exceptuando que en este caso las piernas se ven completas, es decir sin ningún cruzado. Y finalmente, ecarté, que es la única posición del cuerpo que sólo utiliza una posición de pies: la segunda.
El cuerpo del bailarín debe estar completamente centrado en una línea vertical, de la cabeza a los pies. La colocación ideal del bailarín es estar con la cabeza recta y mirando al frente, el cuello estirado, los hombros para abajo y con el estómago y los glúteos tensos. Esto se debe a que todos los movimientos del ballet exigen una gran estabilidad y equilibrio para ejecutarse. Un ejemplo de esto son los saltos. Además de vencer a la gravedad en estos, su técnica incluye ejecutar pasos en el aire, de manera vistuosa como girar, batir o cambiar la posición de las piernas, los cuales son hoy por hoy practicado por bailarines de ambos sexos.
Pasos principales
La danza se basa en dos movimientos opuestos: contraer y estirar, llamados respectivamente plié y relevé.
Plié: dentro de éste se incluyen dos tipos de pliés: demi-pliés y grand plié. Se trata de doblar las piernas hacia fuera y al mismo tiempo bajar el cuerpo sin descontrolarlo. Este ejercicio se utiliza para empezar a calentar la musculatura al principio de la clase.
Relevé: se trata de subir a la media punta del pie sin doblar las rodillas, ayudándose con la fuerza de los músculos del abdomen y de los de las piernas.
Los pasos que con más frecuencia se utilizan se pueden clasificar en varios apartados:
Coordinaciones: pas de basque, pas de bourré, glissade, balancé, etc.
control: fondu, adagios, battements soutenus, promenades, balance o equilibrio, ya sea en relevé o en puntas sobre una pierna o sobre ambas.
Saltos: petit sauté, changement , grandes saltos como saut de chat, grand jetté, baterías como entrechat (dentro de éste se encuentran entre otros el entrechat quatre y el entrechat six, el royal.)
Giros: pirouette, fouetté tanto en dehors como en dedans, sencillos dobles, triples, muchos, continuados, combinados y partiendo de preparaciones fijas o por tombé, piqué, chasse, chaineé, etc.
La Danza Clásica actualmente es utilizada como base de casi todos los trabajos corporales artísticos, debido a la colocación de los diferentes ejes del cuerpo, a la corrección de hábitos posturales, además de facilitar el reconocimiento y el dominio del mismo. La biomecánica es el estudio de la mecánica del movimiento, aplicado a la técnica clásica, ella nos asegura el uso apropiado de los recursos naturales del cuerpo humano sin dañarlo, facilitando su ejecución.
Además la danza posee innumerables ventajas terapéuticas, tanto físicas como espirituales, mejoras del funcionamiento del sistema endocrino, osteoporosis y otras enfermedades relacionadas con los huesos y articulaciones.
El ballet como espectáculo engloba pintura, poesía, música y danza. La relación entre la música y la danza fue uno de los numerosos aspectos a los cuales Noverre consagró amplias reflexiones en su obra "Cartas sobre la danza y el ballet". El insitía en que:
"La buena elección de las melodías es parte tan importante de la danza como lo es la elección de las palabras y giros de la frase para la elocuencia. Igualmente insistió en la consistencia entre la danza y el uso de vestuarios, accesorios y decorados, no sólo en lo relacionado a mantener una unidad dramática, sino también al evitar entorpecer los movimientos del bailarín. Estos temas hoy siguen constituyendo una constante a la hora de realizar una obra coreográfica".
Noverre comentaba:" Es absolutamente necesario que los bailarines dividan su tiempo y sus estudios entre el espíritu y el cuerpo y que ambos conjuntamente sean objeto de sus reflexiones".
"Conocimientos generales de Anatomía, Geometría, Música y Dibujo debían poseer los maestros, coreógrafos y bailarines, a juicio de Noverre, además decía que todo profesional de la danza debe poseer gran capacidad de observación: debe observar y examinar todo, porque todo lo que existe en el universo puede servirle de modelo, recomendaciones que pueden ser hoy día válidas en cualquier plan de estudio de formación de profesionales de la danza".
Estas cinco posiciones de pies y brazos se pueden utilizar en diversas posiciones del cuerpo con respecto al público. Éstas son: en face, croisé, effacé y ecarté. Dado que la lengua oficial es el francés, todos los términos de la danza se escriben en este idioma, y un ejemplo claro es éste. En face significa simplemente de frente al público. Se llama croisé cuando el público ve desde fuera las piernas del bailarín cruzadas. Effacé es una posición parecida al croisé, exceptuando que en este caso las piernas se ven completas, es decir sin ningún cruzado. Y finalmente, ecarté, que es la única posición del cuerpo que sólo utiliza una posición de pies: la segunda.
El cuerpo del bailarín debe estar completamente centrado en una línea vertical, de la cabeza a los pies. La colocación ideal del bailarín es estar con la cabeza recta y mirando al frente, el cuello estirado, los hombros para abajo y con el estómago y los glúteos tensos. Esto se debe a que todos los movimientos del ballet exigen una gran estabilidad y equilibrio para ejecutarse. Un ejemplo de esto son los saltos. Además de vencer a la gravedad en estos, su técnica incluye ejecutar pasos en el aire, de manera vistuosa como girar, batir o cambiar la posición de las piernas, los cuales son hoy por hoy practicado por bailarines de ambos sexos.
Pasos principales
La danza se basa en dos movimientos opuestos: contraer y estirar, llamados respectivamente plié y relevé.
Plié: dentro de éste se incluyen dos tipos de pliés: demi-pliés y grand plié. Se trata de doblar las piernas hacia fuera y al mismo tiempo bajar el cuerpo sin descontrolarlo. Este ejercicio se utiliza para empezar a calentar la musculatura al principio de la clase.
Relevé: se trata de subir a la media punta del pie sin doblar las rodillas, ayudándose con la fuerza de los músculos del abdomen y de los de las piernas.
Los pasos que con más frecuencia se utilizan se pueden clasificar en varios apartados:
Coordinaciones: pas de basque, pas de bourré, glissade, balancé, etc.
control: fondu, adagios, battements soutenus, promenades, balance o equilibrio, ya sea en relevé o en puntas sobre una pierna o sobre ambas.
Saltos: petit sauté, changement , grandes saltos como saut de chat, grand jetté, baterías como entrechat (dentro de éste se encuentran entre otros el entrechat quatre y el entrechat six, el royal.)
Giros: pirouette, fouetté tanto en dehors como en dedans, sencillos dobles, triples, muchos, continuados, combinados y partiendo de preparaciones fijas o por tombé, piqué, chasse, chaineé, etc.
La Danza Clásica actualmente es utilizada como base de casi todos los trabajos corporales artísticos, debido a la colocación de los diferentes ejes del cuerpo, a la corrección de hábitos posturales, además de facilitar el reconocimiento y el dominio del mismo. La biomecánica es el estudio de la mecánica del movimiento, aplicado a la técnica clásica, ella nos asegura el uso apropiado de los recursos naturales del cuerpo humano sin dañarlo, facilitando su ejecución.
Además la danza posee innumerables ventajas terapéuticas, tanto físicas como espirituales, mejoras del funcionamiento del sistema endocrino, osteoporosis y otras enfermedades relacionadas con los huesos y articulaciones.
El ballet como espectáculo engloba pintura, poesía, música y danza. La relación entre la música y la danza fue uno de los numerosos aspectos a los cuales Noverre consagró amplias reflexiones en su obra "Cartas sobre la danza y el ballet". El insitía en que:
"La buena elección de las melodías es parte tan importante de la danza como lo es la elección de las palabras y giros de la frase para la elocuencia. Igualmente insistió en la consistencia entre la danza y el uso de vestuarios, accesorios y decorados, no sólo en lo relacionado a mantener una unidad dramática, sino también al evitar entorpecer los movimientos del bailarín. Estos temas hoy siguen constituyendo una constante a la hora de realizar una obra coreográfica".
Noverre comentaba:" Es absolutamente necesario que los bailarines dividan su tiempo y sus estudios entre el espíritu y el cuerpo y que ambos conjuntamente sean objeto de sus reflexiones".
"Conocimientos generales de Anatomía, Geometría, Música y Dibujo debían poseer los maestros, coreógrafos y bailarines, a juicio de Noverre, además decía que todo profesional de la danza debe poseer gran capacidad de observación: debe observar y examinar todo, porque todo lo que existe en el universo puede servirle de modelo, recomendaciones que pueden ser hoy día válidas en cualquier plan de estudio de formación de profesionales de la danza".
ix. Ballet
romántico
El ballet romántico aparece
a principios del siglo XIX sustituyendo al ballet de acción del que Jean-Georges Noverre fue el gran teórico. El período del ballet romántico duró unos treinta
años; de 1815a 1845-1850.
El romanticismo apareció a finales del siglo XVIII en Alemania (Johann Wolfgang von Goethe y Friedrich
Schiller) , y en Gran Bretaña Walter Scott y Lord Byron extendiéndose
por toda Europa a principios del siglo XIX llegando a Francia durante la Restauración, con autores como: Madame de Staël, Chateaubriand o Lamartine. En música, Beethoven fue uno de los primeros.
Una nueva
era comienza y la danza no se queda al margen: todos los artistas
sueñan con un arte revolucionario que aleje los demonios del Antiguo Régimen, con un nuevo aire, lírico, exótico, mágico,
sensual.
Un
discípulo de Noverre, Charles
Didelot, de paso por París en 1815, representó Flore et Zéphire en la Ópera de París, los bailarines Albert y Geneviève Gosselin flotaban sobre el escenario, estando
suspendidos por hilos de acero. Fue un descubrimiento para el público que, por
primera vez, contemplaba una danza aérea, etérea, Madame Gosselin ya había
innovado la danza dos años antes bailando sobre la punta de los pies (en pointes), aunque anteriormente realizado por la
bailarína italiana Amalia Bugnoli, pero en realidad no se sabe con certeza
el invento de esta innovación técnica dentro de la danza académica.
El ballet
romántico abandonó, progresivamente, los mitos de la Grecia antigua para basarse en la Mitología nórdica poblada de elfos ondinas y trolls. Es el reinado
de la bailarina, pálida y etérea, encarnando la nostalgia y la melancolía,
vestida con vaporosas muselinas y coronada de flores del campo. El bailarín
queda en Francia reducido a su cometido de porteur (portador) poniendo de relieve la
gracia a la delicadeza de su pareja.
El primer
gran ballet romántico fue La Sílfide, estrenada en la Ópera de París el 12 de marzo de 1832 por Filippo Taglioni y representada por su hija Marie Taglioni. Es la apoteosis del ballet blanco, que triunfará durante treinta años. Este ballet, el
ballet blanco todavía perdura en nuestros tiempos, por ejemplo con el ballet de El lago de los cisnes.
X. Ballet
moderno
El ballet moderno o ballet
contemporáneo es una forma de danza influenciada tanto por el ballet clásico como por
la danza moderna. Si bien adopta
la técnica del ballet clásico, permite un mayor rango de movimiento. Muchos de
sus conceptos provienen de ideas e innovaciones propios de la danza moderna del siglo XX.
George Balanchine es, a menudo, considerado como el pionero
del ballet moderno por medio del desarrollo del ballet
neoclásico. Balanchine utilizó manos (y
ocasionalmente pies) flexionados, posiciones fuera de centro y vestimentas no
clásicas (tales como leotardos y túnicas en lugar de tutús) para distanciarse de las tradiciones de ballet clásico y romántico. Balanchine también incluyó a representantes de la danza moderna en su
compañía, el Ballet de
la Ciudad de Nueva York. Uno de estos bailarines fue Paul Taylor,
quien representó la pieza de Balanchine Episodes en 1959. Balanchine también trabajó con la coreógrafa de danza moderna Martha Graham, ampliando su exposición a las técnicas e
ideas modernas. También durante este períodos, coreógrafos tales como John
Butler y Glen Tetley empezaron a mezclar técnicas modernas y el ballet como
experimentación.
Un
bailarín que fue entrenado por Balanchine y que absorbió mucho de su estilo
neoclásico fue Mijaíl Baríshnikov. Tras el nombramiento de Baríshnikov como director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con varios coreógrafos modernos,
en especial, Twyla Tharp.
Tharp hizo la coreografía de Push
Comes To Shove para el
American Ballet Theatre en 1976; y, en 1986, creó In
The Upper Room para su propia
compañía de baile. Ambas piezas fueron consideradas innovadoras por su uso de
movimientos modernos distintivos acompañados por puntas de ballet y bailarines
entrenados clásicamente. Tharp también trabajado con la compañía Joffrey
Ballet, fundada en 1957 por Robert
Joffrey, realizando la coreografía de Deuce Coupe en 1973. Para ello, utilizó música pop y una combinación de técnicas modernas y
de ballet. El Ballet Joffrey siguió presentando varias piezas contemporáneas.
XI. Ballet
acción
El ballet de acción o ballet-pantomima es un espectáculo coreográfico narrativo, cuyo argumento se desarrolla
con ayuda de la danza y de la pantomima. Empezó a representarse
en el siglo XVIII al socaire de la ópera-ballet y de la comedia-ballet que el trío Lully— Molière —y Pierre Beauchamp habían puesto en escena por toda Europa durante el reinado de Luis XIV.
Después de
haber triunfado en los teatros de la Feria y en la Opéra-comique de París el ballet-pantomima se extendió por toda
Europa hacia la mitad de siglo: Londres, Viena, San Petersburgo y diversas ciudades italianas en las que, los ballets-pantomima son
dirigidos por los maestros: Gasparo Angiolini y Jean-Georges Noverre. Éste último, verdadero teórico de la danza, le dio el nombre deballet de acción, mucho más adecuado
que el de ballet-pantomima. En sus escritos Lettres sur la danse (edición de 1807) afirma: "Me atrevo a decir, sin falso pudor, que yo resucité el arte de la
pantomima; que estaba enterrado bajo las ruinas de la antigüedad". Sus
discípulos enseñaron esta nueva forma de ballet más próximo a las
preocupaciones cotidianas. Maximilien y Pierre
Gardelimpusieron este género que perduró hasta
el siglo XX, en especial a través del ballet romántico.
XII. Ballet
cortesano
El ballet cortesano o ballet de corte (en francés: ballet de cour)
es un género de ballet que comprende poesía, música vocal e instrumental, coreografía yescenografía, cuyo nacimiento se sitúa a finales del siglo XVI en la corte de Francia.
1.
HISTORIA
Durante el
[Barroco] la danza había llegado a ser el centro de la vida cortesana
especialmente en Italia, y posteriormente en Francia adquirió pleno
desarrollo.[Catalina de Médicis] contrató para organizar los festejos de su
corte al violinista y bailarín italiano Baldassarino de Belgioioso, que
afrancesó su nombre llamándose Balthasar de Beaujoyeux. Su primer encargo dio
lugar a un espectáculo-ballet celebrado el 15 de octubre de 1581, que se llamó Le Ballet Comique de la Reine que estaba basado en la leyenda de Circe. Este tipo de espectáculo se extendió por
toda Europa con gran rapidez.1
El Ballet des Polonais fue uno de los primeros ballet hecho
representar por Catalina de Médicis en el [Louvre]], para recibir a los
embajadores polacos llegados a anunciar a su hijo el duque de Anjou (futuro
Enrique III) su elección al trono de Polonia. Posteriormente durante el reinado
de[Luis XIII] también se disfrutó de una abundante producción de ballets.
Olvidado hasta después de la Fronda, el ballet volvió a renacer llegando a su apogeo durante el reinado de Luis XIV que, poco a poco, lo convirtió en objeto
de propaganda política con la ayuda de [Cardenal Richelieu|Richelieu], poniendo
de relieve el poderío de Francia y de su monarquía. [Isaac de Benserade]]
sería, por entonces, el poeta principal. Cuando en 1670, Luis XIV decidió no subvencionar más
ballets, éste recibió un golpe mortal, pero dio paso al nacimiento de dos
géneros nuevos protagonizados principalmente por Lully: la ópera-ballet y la comedia-ballet.
2.
CARACTERISTICAS
1. La estructura de un ballet de corte del siglo XVII era idéntica a la de
una obra dramática, con un planteamiento, nudo y desenlace. Contaba con una obertura que exponía el tema con un recitado;
después estaban en las equivalentes
a los actos del teatro que mezclaban canto, recitado y danza; y por último el Gran
Ballet o ballet general,
que constituía la apoteosis final. El espectáculo iba acompañado de una puesta
en escena y decorados fastuosos.
2. El espectáculo era bailado por los miembros de la familia real, los
cortesanos y algunos bailarines profesionales. En el curso de las diversas en tres los intérpretes van bailando por turno. La últimamente es
interpretada por todo el cuerpo de bailarines.
XIII. Maestros
del balleT
·
Jean
Dauberval (1742-1806): Maestro francés de ballet,
reconocido como el padre del ballet
cómico1
·
Marius Petipa (1818-1910), Maître
de Ballet, fue un maestro de ballet para los Teatros
Imperiales en San Petersburgo y Moscú entre 1862 y 1903.
xiv. QUE
SON LAS coreografías
La coreografía (literalmente
«escritura de la danza», también llamada composición), del griego χορεία (danza circular, corea) y γραφή (escritura), es el arte de crear estructuras en las
que suceden movimientos. El término composición también puede referirse a la navegación o conexión de estas estructuras de movimientos. La estructura
de movimientos puede ser considerada como la coreografía. Las personas que
realizan la coreografía son llamados coreógrafos.
xv. TIPOS DE COREOGRAFIAS
1. Coreografía
monólogo: ésta depende de una sola persona, puede ser
instruida por otra pero la que lo lleva al escenario es la que danza. Es una de
las coreografías minorías de entre las modernas y se aplican a base de las
obras literarias y operas. Éstas no estructuran danza moderna grupal.
2. Coreografía
grupal: ésta es la danza más usada en todo el
mundo. Éstas se construyen por el coreógrafo quien corrige los movimientos que
se actuaran, los grupos coreógrafos son de 6 a 10 personas, están basadas en la
persona principal que actúa de manera casi diferente a los otros.
3. Coreografía
expresiva: es aquella en la que recurren
expresiones interjectivas y muchas manifestaciones dancísticas.
4. Coreografía
distributiva: está marcada por una división. Mientras
que las otras personas bailan, el principal hace actos pero vuelve a recurrir a
ellos, se pueden dividir entre las personas por ejemplo: la principal danza
igual que cinco personas colocadas atrás, mientras que dos al lado del
principal danzan igual pero diferente a los otros.
5. Coreografía
principal: el bailarín va hacia la persona
principal, pero también dirigida hacia los bailarines.
6. Coreografía
folclórica: ésta es la más usada entre los pueblos
rurales en la que destacan los bailes o danzas culturales sembrada en un país.
Ésta la usan más los países para destacar la cultura entre las personas y dar
conciencia al pueblo y entretenerlos.
7. Coreografía
histórica.8.
8. Coreografía
simétrica.9.
9. Coreografía
asimétrica.10.
10. Coreografía
del espacio parcial.
Bibliografía
INDICE
I.
Tallas
zapatillas o puntas de ballet ………………………………………………………………….9
II.
Anatomía
y formas del pie y su importancia en el ballet clásico……………………….11
III.
Las
tallas de ancho de las zapatillas y puntas de ballet en todas las marcas……..14
IV.
Cuidado
de las puntas de ballet………………………………………………………………………..14
V.
Como
se hacen las zapatillas de ballet y de que están hechas…………………………..16
VI.
Partes
que componen las zapatillas de punta de ballet……………………………….…….18
VII.
Métodos
para la danza del ballet………………………………………………………………………20
VIII.
La
técnica del ballet……………………………………………………………………………………..……21
IX.
Ballet
romántico…………………………………………………………………………………………………23
X.
Ballet
moderno…………………………………………………………………………………………………..24
XI.
Ballet
acción…...………………………………………………………………………………………………….25
XII.
Ballet
cortesano…………………………………………………………………………………………………..25
XIII.
Maestros
del ballet……………………………………………………………………………………………….26
XIV.
Que
son las coreografías……………………………………………………………………………………….27
XV.
Tipos
de coreografías………………………………………………………………………………………………27
